Sur base des paramètres fournis dans la documentation MidJourney, vous pouvez les faire de façon simplifiée avec ces menus déroulants.
Paramétrer Midjourney en fonction de ses besoins permet d’optimiser la création d’images selon nos attentes.L’usage des paramètres sur MidJourney améliore la précision des résultats aussi bien pour produire des images plus créatives, ajuster le style visuel, que pour reproduire une esthétique spécifique.
Style de photographie
Le style de photographie définit l’esthétique générale de l’image, en influençant la manière dont elle est perçue visuellement.
1. Éditorial/Magazine
Le style Éditorial/Magazine est souvent utilisé dans les publications de mode, de lifestyle, ou de presse. Ce style met l’accent sur des images soigneusement composées, professionnelles et souvent très stylisées. Il est conçu pour accompagner du texte dans des articles ou des campagnes publicitaires.
- L’éclairage est généralement soigné et professionnel.
- Les compositions sont élégantes et sophistiquées.
- Le sujet principal (par exemple, une personne ou un produit) est souvent mis en valeur de manière très nette.
- Convient à la publicité, aux articles de mode, ou à des campagnes dans des magazines.
2. Documentaire
Le style Documentaire capture la réalité de manière brute et authentique. C’est souvent utilisé dans des reportages, des films documentaires ou des séries photo visant à raconter une histoire réelle, sans artifice ni retouches importantes.
- Le sujet est souvent saisi dans son environnement naturel.
- L’éclairage est souvent naturel, sans mise en scène ou arrangements.
- Le cadrage est spontané et capture le moment tel qu’il est.
- Convient pour des images qui racontent des histoires, des reportages, ou des projets à caractère social.
3. Style de rue
Le Style de rue est un genre de photographie qui met en avant la vie quotidienne et urbaine. Il capture des scènes spontanées et dynamiques qui se déroulent dans l’espace public. Ce style est populaire pour sa capacité à capter des moments instantanés et à révéler l’atmosphère d’un lieu.
- Scènes prises sur le vif, souvent avec des passants ou des éléments de la ville.
- Utilisation de la lumière naturelle, parfois avec des jeux d’ombres urbaines.
- Les compositions sont souvent moins formelles, avec un certain chaos ou désordre qui reflète l’agitation des rues.
- Convient pour des images qui illustrent l’énergie d’une ville ou des moments de la vie quotidienne.
4. Candide
Le style Candide se caractérise par des photos prises de manière spontanée, sans que les sujets soient posés ou préparés. Ce style cherche à capturer des moments authentiques, souvent en faisant passer une émotion ou une action non planifiée.
- Les sujets ne sont pas conscients d’être photographiés ou paraissent naturels et détendus.
- L’éclairage est souvent naturel, avec peu ou pas de retouches.
- Les compositions sont simples et axées sur l’instant.
- Convient pour capturer des moments d’émotions, des interactions sincères ou des scènes familiales.
5. Amateur
Le style Amateur se réfère à des photos qui semblent prises par des non-professionnels. Cela peut inclure des images avec des compositions imparfaites, un éclairage naturel parfois mal maîtrisé, et un cadrage non conventionnel. Ce style est souvent utilisé pour imiter l’authenticité des photos personnelles ou des clichés pris sur le moment.
- Compositions simples, parfois mal cadrées ou floues.
- L’éclairage est souvent naturel, sans éclairage professionnel.
- Convient pour des images qui doivent donner l’impression d’être prises sur le vif ou sans planification.
6. Marque
Le style Marque met en avant les produits ou services de manière très soignée, avec un accent particulier sur la cohérence visuelle et la mise en valeur des attributs du produit. Ce style est souvent utilisé dans les campagnes publicitaires et les images commerciales pour des entreprises.
- Focalisation sur le produit, avec des angles et des éclairages qui le mettent en valeur.
- Souvent accompagné d’une esthétique minimaliste ou raffinée, adaptée à l’identité de la marque.
- Convient pour les publicités, les catalogues, et les campagnes de produits.
7. Cinématographique
Le style Cinématographique imite l’aspect d’une scène de film. Cela inclut souvent un éclairage dramatique, des compositions complexes, et des couleurs qui rappellent les films. Ce style donne un aspect narratif et esthétique fort à l’image.
- Éclairage et mise en scène soigneusement orchestrés.
- Utilisation d’effets visuels ou de compositions rappelant les grandes productions cinématographiques.
- Convient pour des images qui racontent une histoire ou créent une ambiance immersive.
En paramétrant ce style, vous pouvez diriger l’IA vers des résultats qui s’alignent avec un genre spécifique, comme des photos réalistes ou des images surréalistes.
Type de prise de vue
Le type de prise de vue se réfère à la technique utilisée pour capturer l’image, influençant l’angle et la perspective. Cela inclut des types comme la vue en plongée, la contre-plongée, ou encore le plan large ou rapproché. Ce paramètre permet d’ajuster l’image pour qu’elle reflète le point de vue souhaité, influençant ainsi la narration visuelle.
types de prises de vue avec leurs effets et utilisations possibles dans Midjourney. Chaque type modifie la perspective et influence l’impact visuel du sujet.
1. Angle élevé
L’angle élevé (ou plongée) consiste à placer la caméra au-dessus du sujet. Cela donne l’impression que le sujet est plus petit, plus faible ou moins important, créant une sensation de vulnérabilité. Ce type de prise de vue est idéal pour exprimer la soumission ou l’humilité d’un personnage ou d’un objet.
2. Angle bas
L’angle bas (ou contre-plongée) place la caméra sous le sujet, ce qui donne une impression de grandeur et de puissance. Ce type d’angle est souvent utilisé pour rendre un personnage ou un objet imposant, héroïque ou dominant. Il permet d’amplifier la présence d’un sujet en accentuant sa stature ou son autorité.
3. Niveau des yeux
La prise de vue au niveau des yeux place la caméra à hauteur de vue, créant une connexion directe entre le spectateur et le sujet. Cet angle est considéré comme neutre et naturel. Il est souvent utilisé pour des portraits et des scènes qui cherchent à instaurer une relation empathique et immersive entre le spectateur et l’image.
4. Vue d’oiseau
La vue d’oiseau place la caméra très haut au-dessus du sujet, offrant une perspective large comme si l’on regardait la scène depuis le ciel. Cela permet de capturer un vaste environnement ou de donner une impression de petite échelle du sujet par rapport à son cadre. Ce type de prise de vue est fréquemment utilisé pour montrer des paysages, des cartes ou des villes.
5. Vue de ver
La vue de ver est une perspective extrême où la caméra est placée presque au ras du sol, donnant une vision ascendante. Cet angle exagère la grandeur des objets ou personnages, rendant même des sujets ordinaires imposants. Cela peut créer un sentiment de malaise ou amplifier la force du sujet dans une scène.
6. Angle hollandais
L’angle hollandais consiste à incliner la caméra, créant un horizon en diagonale. Cela introduit un sentiment de déséquilibre ou de tension. Utilisé pour des scènes dramatiques ou pour exprimer l’instabilité émotionnelle, ce type d’angle est parfait pour des situations déstabilisantes ou surréalistes.
7. Par-dessus l’épaule
Le plan par-dessus l’épaule montre une partie de la tête ou des épaules d’un personnage avec le point de vue focalisé sur ce qu’il regarde. Cela permet d’immerger le spectateur dans la scène, donnant l’impression qu’il observe depuis la perspective du personnage. C’est un choix fréquent pour des dialogues ou des interactions personnelles.
8. Gros plan
Le gros plan zoome sur un élément ou une partie spécifique du sujet, comme un visage ou un objet, afin de capturer les détails les plus fins. Cela permet de concentrer l’attention sur les émotions ou les caractéristiques clés d’une scène. Il est utilisé pour créer une connexion émotionnelle forte ou pour souligner une particularité précise.
9. Plan large
Le plan large englobe toute la scène et montre à la fois le sujet et son environnement. Il est souvent utilisé pour présenter un contexte ou un décor, permettant au spectateur de comprendre où se situe l’action. Cela peut aider à montrer la relation entre un personnage et son cadre, ou à établir une ambiance générale.
10. Plan moyen
Le plan moyen se situe entre le gros plan et le plan large. Il montre généralement le sujet à mi-corps, ce qui permet de capturer à la fois les expressions faciales et une partie de l’environnement. Ce type de prise de vue est fréquemment utilisé pour les portraits ou les scènes de dialogue.
11. Très gros plan
Le très gros plan est un zoom extrême sur un détail spécifique, tel qu’un œil, une main ou une texture. Ce type de prise de vue magnifie les détails pour un impact visuel intense, souvent utilisé pour transmettre des émotions subtiles ou pour attirer l’attention sur un élément clé.
12. Point de vue
Le plan point de vue (ou POV) montre ce que voit un personnage, comme si le spectateur regardait à travers ses yeux. Il crée une connexion immersive, plongeant le spectateur dans la peau du personnage pour ressentir son expérience. Ce type de prise de vue est très efficace pour transmettre des sensations intimes ou subjectives.
13. Plan d’ensemble
Le plan d’ensemble capture une grande scène ou un groupe de personnages, généralement pour établir un contexte ou montrer une interaction à grande échelle. Il est souvent utilisé pour les scènes où l’environnement joue un rôle important, comme dans les paysages ou les foules.
14. Plan à deux personnages
Le plan à deux personnages met en scène deux sujets dans le même cadre, souvent en interaction. Il est idéal pour capturer des dialogues ou des relations entre les personnages, en montrant leurs expressions et leurs mouvements dans une même composition.
15. Macro
Le plan macro est un zoom extrême sur de très petits détails, souvent invisible à l’œil nu. Ce type de prise de vue est utilisé pour capturer des textures délicates, comme celles des plantes, des insectes, ou des objets miniatures. La macro photographie permet d’explorer les détails complexes du monde microscopique.
16. Contre-jour
Le contre-jour est une technique où la source de lumière est derrière le sujet, créant une silhouette ou un effet lumineux dramatique. Cela met souvent en valeur les contours du sujet et peut produire des résultats visuellement intéressants, en particulier avec des jeux d’ombres et de lumière.
17. Panoramique
La prise de vue panoramique capture une très large vue horizontale, souvent utilisée pour des paysages ou des scènes nécessitant un cadre étendu. Ce type de plan donne une sensation d’ouverture et permet de montrer une vaste quantité de détails en un seul coup d’œil.
18. Fisheye
La prise de vue fisheye utilise un objectif ultra grand-angle qui déforme l’image pour créer un effet arrondi, donnant une perspective extrême et une distorsion des lignes droites. Ce style est souvent utilisé pour créer une sensation surréaliste ou exagérée, transformant des scènes ordinaires en visions très particulières.
Profondeur de champ
La profondeur de champ détermine quelle partie de l’image est nette et quelle partie est floue. Une profondeur de champ réduite rend l’arrière-plan flou, mettant en valeur le sujet principal, tandis qu’une grande profondeur de champ garde toute l’image nette. Cela ajoute de la dimension à l’image et peut renforcer l’impact visuel sur un élément clé.
1. Faible profondeur de champ (bokeh)
La faible profondeur de champ, souvent appelée bokeh, se caractérise par une mise au point sur un élément spécifique, tandis que le reste de l’image, particulièrement l’arrière-plan, est flou. Ce type de profondeur de champ est utilisé pour isoler un sujet et créer un effet esthétique et agréable avec un arrière-plan doux et flouté.
- Effet : Le sujet principal est mis en valeur, tandis que l’arrière-plan flou crée un effet d’esthétisme artistique. Le bokeh donne un aspect presque rêveur à l’image.
- Utilisation : Idéal pour les portraits, la photographie de produits ou toute scène où vous souhaitez diriger l’attention sur un seul point d’intérêt. C’est également populaire dans les scènes de nature pour isoler un objet ou un détail spécifique (fleur, insecte, etc.).
2. Profondeur de champ modérée
La profondeur de champ modérée permet de garder plusieurs éléments de l’image relativement nets, tout en maintenant une légère distinction entre les plans avant et arrière. Ici, l’arrière-plan n’est pas totalement flou, mais il est subtilement atténué pour ne pas détourner l’attention du sujet principal.
- Effet : Permet de maintenir une certaine clarté dans l’image tout en guidant subtilement l’œil vers le sujet principal. L’arrière-plan est reconnaissable, mais moins détaillé.
- Utilisation : Parfait pour les portraits où l’environnement joue un rôle important sans éclipser le sujet. Utilisé aussi dans des scènes d’intérieur ou de paysages où vous voulez capturer une ambiance générale tout en mettant en avant un élément particulier.
3. Profonde profondeur de champ
La profonde profondeur de champ maintient une netteté sur une large zone de l’image, allant du premier plan à l’arrière-plan. Cela permet de capturer une grande quantité de détails dans tous les éléments présents dans le cadre, donnant une image où tous les aspects sont en focus.
- Effet : Tous les objets dans le cadre sont nets, ce qui permet au spectateur d’explorer la scène en détail. Cela crée une impression de profondeur et de complexité visuelle.
- Utilisation : Idéal pour les paysages, les scènes architecturales, ou tout scénario où il est important de capturer chaque détail de l’environnement. Cela convient également pour des scènes avec plusieurs sujets d’importance.
4. Extrêmement profonde profondeur de champ
L’extrêmement profonde profondeur de champ est une prise de vue où chaque élément, du point le plus proche au plus éloigné dans le cadre, est d’une netteté parfaite. Ce type de profondeur de champ permet une clarté et une précision maximales, souvent utilisées pour des images où chaque détail compte, sans aucune zone de flou.
- Effet : Tous les éléments de la scène, peu importe leur distance par rapport à l’objectif, sont capturés avec une netteté absolue. Cela donne un rendu très détaillé et hyper réaliste.
- Utilisation : Parfait pour des scènes où l’on veut mettre en avant une grande quantité de détails, comme dans des photographies macro de paysages complexes ou des photos d’architecture où chaque élément structurel doit être visible. Cela donne également un effet de réalisme accentué dans des environnements vastes.
Mouvement
Le paramètre mouvement simule la capture d’un objet ou d’une scène en déplacement. Cela peut se traduire par un flou de mouvement ou une image figée d’un sujet en pleine action. Ce paramètre est essentiel pour donner du dynamisme à l’image, en reflétant la vitesse ou l’énergie du sujet.
1. Mouvement figé
Le mouvement figé capture un sujet en plein mouvement avec une netteté parfaite, comme s’il était suspendu dans le temps. Cela donne l’impression que l’action est figée, permettant au spectateur de contempler un instant rapide et fugace avec un grand niveau de détail.
- Effet : Le sujet est capturé avec une précision cristalline, même en pleine action. Cela donne une impression de maîtrise du moment, figé dans l’espace et le temps.
- Utilisation : Idéal pour des scènes d’action comme des sportifs en plein saut, des animaux en mouvement ou des objets rapides, où l’on veut immortaliser l’instant sans aucun flou. Ce type de mouvement est souvent utilisé pour des campagnes publicitaires ou des photos sportives où le détail du geste est important.
2. Flou de mouvement
Le flou de mouvement est utilisé pour montrer que le sujet ou une partie de la scène se déplace rapidement. Dans cette configuration, le sujet est flou tandis que l’arrière-plan peut rester net. Cela traduit une sensation de vitesse ou de dynamisme, capturant l’essence du mouvement.
- Effet : Le sujet semble se déplacer à grande vitesse, créant un effet visuel dynamique. Cela ajoute de l’énergie et du mouvement à l’image.
- Utilisation : Parfait pour des scènes où l’on souhaite montrer un déplacement rapide, comme des voitures de course, des personnes en pleine action, ou des objets traversant la scène. Ce type de flou est souvent utilisé pour ajouter de la vitalité et du dynamisme à des scènes urbaines ou sportives.
3. Panning
Le panning est une technique où la caméra suit un sujet en mouvement, créant un effet de flou dans l’arrière-plan tandis que le sujet principal reste net. Cela donne une sensation de vitesse et de direction tout en gardant le focus sur l’objet en mouvement.
- Effet : L’arrière-plan est flou, tandis que le sujet est net, créant une impression de déplacement fluide à travers l’image. Cela donne un effet cinétique élégant tout en focalisant l’attention sur le sujet en mouvement.
- Utilisation : Utilisé pour des scènes avec des objets en déplacement horizontal comme des voitures, des cyclistes ou des animaux courant. Le panning est idéal pour ajouter une dimension de vitesse tout en maintenant le sujet au centre de l’attention.
4. Bokeh en mouvement
Le bokeh en mouvement combine le flou esthétique du bokeh avec une scène en mouvement. Dans ce cas, certaines parties de l’image, notamment les lumières ou les arrière-plans, créent un effet bokeh tout en étant légèrement floutées pour simuler le mouvement.
- Effet : Le sujet principal peut être net ou légèrement flou, tandis que l’arrière-plan présente des cercles lumineux doux et floutés, renforçant l’impression de mouvement et d’élégance. Cela ajoute une dimension artistique et rêveuse à une scène en action.
- Utilisation : Souvent utilisé pour des scènes nocturnes ou des environnements urbains où des sources lumineuses, telles que des phares de voiture ou des lumières de ville, créent des points de lumière bokeh en mouvement. Ce style est idéal pour ajouter de l’élégance et du dynamisme à des scènes déjà visuellement captivantes.
Éclairage
L’éclairage contrôle la source et l’intensité de la lumière dans l’image. Cela peut inclure un éclairage doux et naturel, des éclairages durs, ou des éclairages dramatiques pour accentuer certaines zones de l’image. La manipulation de l’éclairage permet de créer une ambiance particulière, mettant en avant des éléments spécifiques ou modifiant l’atmosphère générale de l’image.
1. Lumière douce
La lumière douce est caractérisée par des ombres légères et une transition fluide entre les zones éclairées et ombragées. Elle est souvent créée à partir de sources de lumière diffusées, telles qu’un ciel nuageux ou une lumière artificielle tamisée. Ce type d’éclairage est subtil, flatteur, et met en valeur les sujets sans créer de contrastes marqués.
- Effet : Crée une ambiance chaleureuse, apaisante, et agréable avec des ombres douces et peu marquées. Elle minimise les imperfections et offre un rendu très lisse et homogène.
- Utilisation : Idéale pour les portraits, les scènes de nature, ou les situations où une atmosphère délicate et sereine est souhaitée. La lumière douce est également utilisée pour les photographies de produits ou de mode lorsqu’on veut obtenir un rendu flatteur et esthétiquement plaisant.
2. Lumière dure
La lumière dure est caractérisée par des ombres très nettes et tranchées, ainsi qu’un fort contraste entre les zones éclairées et ombragées. Ce type d’éclairage est souvent produit par des sources lumineuses fortes et directes, comme une lumière de soleil éclatante ou un projecteur.
- Effet : Donne une impression de dureté et de netteté avec des ombres marquées et des contours clairs. Cela peut mettre en avant des textures ou des détails, et créer un effet dramatique.
- Utilisation : Idéale pour des scènes dramatiques ou intenses, où vous souhaitez accentuer les contrastes. Utilisée souvent dans les photographies de mode à forte personnalité ou dans des images cinématographiques pour ajouter du suspense ou de la tension.
3. Lumière naturelle
La lumière naturelle fait référence à toute source de lumière provenant de l’environnement extérieur, généralement la lumière du soleil. Elle peut être douce et diffuse (par exemple, un ciel nuageux) ou dure et directe (une lumière solaire intense). La lumière naturelle est très versatile et peut changer en fonction de l’heure du jour et des conditions météorologiques.
- Effet : Apporte une sensation réaliste et authentique. Selon la qualité de la lumière naturelle, elle peut soit créer une atmosphère douce et détendue (au lever ou coucher du soleil) ou plus éclatante et vive (en plein jour).
- Utilisation : Parfaite pour des scènes extérieures comme les paysages, les portraits en extérieur, ou les scènes urbaines. Elle est également idéale pour capturer des moments spontanés dans des contextes où l’éclairage artificiel serait perçu comme intrusif ou irréaliste.
4. Éclairage cinématographique
L’éclairage cinématographique est un type d’éclairage qui imite les techniques utilisées dans les films pour créer des ambiances visuelles fortes et émotionnelles. Cet éclairage est soigneusement orchestré pour souligner le ton et la narration d’une scène, souvent en jouant avec des contrastes marqués, des couleurs, ou des sources lumineuses spécifiques.
- Effet : Crée une ambiance dramatique, mystérieuse, ou émotive. Il peut inclure des jeux d’ombres complexes, des éclairages latéraux forts, des effets de lumière colorée, ou des transitions d’ombre et de lumière très contrastées.
- Utilisation : Parfait pour des images narratives ou des scènes visuellement riches en émotions. Utilisé dans les portraits, les scènes de suspense, ou les paysages pour amplifier la tension, l’intrigue ou l’atmosphère émotionnelle d’une scène. C’est aussi très populaire dans les images de style futuriste, fantastique ou dystopique.
Composition
La composition concerne l’agencement des éléments dans l’image. Cela inclut des techniques comme la règle des tiers, la symétrie, ou l’équilibre visuel.
La composition se réfère à la manière dont les éléments visuels sont organisés dans une image, et elle joue un rôle clé dans la façon dont une scène est perçue. Les choix de composition influencent directement l’harmonie, l’équilibre, et le dynamisme d’une image.
1. Lignes directrices
Les lignes directrices sont des lignes réelles ou implicites dans une image qui dirigent l’œil du spectateur vers un point d’intérêt, souvent le sujet principal. Ces lignes peuvent être des routes, des chemins, des bâtiments, ou même des ombres, et elles créent un mouvement visuel au sein de l’image.
- Effet : Crée un sens de direction et guide le regard du spectateur vers un point précis de l’image. Les lignes directrices apportent un ordre et une structure visuelle qui aide à renforcer le focus sur le sujet.
- Utilisation : Très utilisée dans les photographies d’architecture, de paysages ou de rue, où les éléments de l’environnement comme des chemins, des ponts, des rivières, ou des lignes de bâtiments dirigent l’œil vers un point de fuite ou un sujet central.
2. Symétrique
Une composition symétrique repose sur un équilibre visuel parfait où les éléments des deux côtés de l’image sont identiques ou similaires en termes de forme, de taille ou de position. Cela crée une sensation d’harmonie et de stabilité, souvent perçue comme esthétiquement plaisante.
- Effet : Transmet un sentiment d’ordre, de calme, et de perfection. La symétrie crée une image visuellement équilibrée et agréable à regarder.
- Utilisation : Parfait pour des portraits, des architectures classiques, ou des scènes de nature où l’équilibre visuel est important. Ce type de composition est également populaire dans la photographie de mode ou de produits pour présenter les sujets de manière élégante et soignée.
3. Asymétrique
La composition asymétrique crée un déséquilibre volontaire dans l’image en plaçant les éléments de manière inégale ou non équivalente. Contrairement à la symétrie, l’asymétrie utilise des poids visuels différents pour créer du dynamisme et de l’intérêt.
- Effet : Génère une sensation de mouvement, de dynamisme, et de spontanéité. L’asymétrie peut paraître plus naturelle et organique, attirant l’œil vers différents points d’intérêt au sein de l’image.
- Utilisation : Souvent utilisée pour des scènes plus informelles, des compositions créatives ou des images qui cherchent à être décalées ou surprenantes. L’asymétrie convient parfaitement aux photographies de rue, aux portraits spontanés ou aux compositions artistiques.
4. Cadre naturel
Le cadre naturel consiste à utiliser des éléments de l’environnement pour encadrer le sujet principal, créant ainsi une composition visuelle qui attire le regard vers celui-ci. Ce cadre peut être formé par des arbres, des fenêtres, des portes, ou tout autre élément qui encercle ou délimite partiellement le sujet.
- Effet : Met en avant le sujet en le plaçant au centre d’un cadre visuel naturel. Cela crée une sensation de profondeur et focalise l’attention sur le sujet, tout en intégrant harmonieusement l’environnement dans la composition.
- Utilisation : Idéal pour les scènes de nature, d’architecture, ou de portraits où l’on peut utiliser des éléments comme des branches d’arbre, des arches, ou des fenêtres pour créer un cadre naturel. Cette technique ajoute de la profondeur et structure l’image tout en dirigeant l’attention vers le sujet central.
Colorimétrie
Les différents paramètres de Colorimétrie dans Midjourney, en se concentrant sur des styles spécifiques tels que Bleach Bypass, Technicolor, et Cinematic Teal & Orange. La colorimétrie influence directement l’atmosphère et l’émotion véhiculée par une image, en ajustant les couleurs, les tons et les contrastes.
1. Bleach Bypass
Le Bleach Bypass est un procédé cinématographique qui conserve une partie de l’argenture lors du développement du film, ce qui réduit la saturation des couleurs tout en augmentant le contraste. Ce style donne une image à la fois dure et délavée, avec des tons métalliques et une palette de couleurs plus froide.
- Effet : Crée des images avec un contraste élevé, des noirs profonds, et une saturation faible. Les tons de peau et les couleurs sont souvent légèrement délavés, tandis que les ombres deviennent plus marquées. Cela donne un aspect brut, dramatique, et parfois sombre.
- Utilisation : Utilisé dans les films de guerre, d’action ou de drame pour accentuer une ambiance intense et réaliste. Parfait pour des scènes où l’on souhaite un effet visuel audacieux, sans l’éclat vif des couleurs.
2. Technicolor
Le Technicolor est une technique de colorisation populaire dans les films des années 1930 à 1950. Il est caractérisé par des couleurs extrêmement vives, saturées et éclatantes. Ce style ajoute un aspect rétro et théâtral à l’image, avec des tons souvent exagérés.
- Effet : Crée des couleurs riches, saturées, et brillantes, avec des contrastes vifs. Les rouges, verts et bleus apparaissent très prononcés, donnant une impression presque surréaliste. Cela renforce l’aspect dramatique et visuellement captivant de l’image.
- Utilisation : Parfait pour les scènes rétro, vintage, ou pour des images qui cherchent à capturer l’esthétique des vieux films hollywoodiens. Convient aussi aux scènes de comédie ou de fantaisie où l’on souhaite une palette de couleurs très vive et éclatante.
3. Cinematic Teal & Orange
Le Cinematic Teal & Orange est une palette de couleurs populaire dans le cinéma moderne, notamment dans les films d’action et les blockbusters. Il repose sur le contraste complémentaire entre les teintes bleues-vertes (teal) et les tons oranges, ce qui crée un effet visuellement saisissant et stylisé.
- Effet : Produit un contraste net entre les tons froids de teal (souvent utilisés pour les ombres ou l’arrière-plan) et les tons chauds d’orange (souvent appliqués aux tons de peau et à la lumière). Ce style de colorimétrie met en valeur les personnages et les éléments importants de la scène en les faisant ressortir du fond.
- Utilisation : Idéal pour des scènes d’action, des films de science-fiction ou de super-héros, où l’on souhaite un effet visuel intense et stylisé. Très populaire dans les publicités et les vidéos promotionnelles pour attirer immédiatement l’attention grâce à un contraste frappant entre chaud et froid.
Chaos
Le paramètre Chaos dans Midjourney contrôle le degré de variabilité ou d’imprévisibilité dans la génération des images. Plus le niveau de chaos est élevé, plus l’IA prend des libertés pour générer des résultats inattendus ou abstraits, tandis qu’un niveau bas favorise des images plus cohérentes et fidèles à la description du prompt.
Fonctionnement du Chaos dans Midjourney
- Syntaxe : Le paramètre s’ajoute à la fin d’un prompt avec la commande
--chaos <nombre>. Le nombre peut varier de 0 à 100.- Exemple :
--chaos 50
- Exemple :
- Valeurs possibles :
- 0 à 20 : Le chaos est faible. L’IA génère des images qui sont généralement très fidèles au prompt avec des variations minimes. Les résultats seront plus cohérents et prévisibles.
- 20 à 50 : Un chaos modéré introduit des variations plus visibles, permettant à l’IA de proposer des interprétations différentes du même prompt, mais sans dévier de manière radicale.
- 50 à 80 : Le chaos élevé crée des résultats plus abstraits ou surprenants. Les variations sont plus importantes et les images peuvent sembler plus expérimentales.
- 80 à 100 : Le chaos maximal. L’IA se permet des interprétations très libres du prompt, créant des images inattendues, souvent abstraites, surréalistes ou déstructurées. Ce niveau est idéal pour des explorations créatives ou des résultats artistiques qui ne suivent pas des règles visuelles traditionnelles.
Effet du Chaos sur les images générées
- Basse valeur de Chaos : Lorsque vous utilisez une faible valeur de chaos (proche de 0), les résultats seront plus prévisibles et ressemblants à ce que vous avez spécifié dans le prompt. Cela est idéal lorsque vous avez une idée précise de ce que vous voulez et que vous cherchez à maintenir une cohérence visuelle entre plusieurs itérations d’une image.
- Haute valeur de Chaos : Avec une valeur de chaos plus élevée (vers 80 ou plus), l’IA explore davantage de concepts abstraits ou inattendus. Cela peut conduire à des résultats qui dévient fortement de la description initiale, produisant des images plus créatives, mais moins contrôlées. C’est particulièrement utile pour les projets artistiques ou lorsque vous souhaitez expérimenter et être surpris par les résultats.
Quand utiliser le paramètre Chaos
- Basse valeur : Utilisez des valeurs faibles lorsque vous voulez des résultats contrôlés et précis, par exemple, dans des scènes réalistes, des photographies de produits, ou lorsque vous devez respecter une direction artistique spécifique.
- Haute valeur : Utilisez une valeur élevée lorsque vous souhaitez générer des images plus expérimentales ou lorsque vous cherchez à explorer de nouvelles idées sans limites précises. Par exemple, pour des créations surréalistes, des œuvres d’art abstraites ou lorsque vous cherchez à inspirer de nouvelles directions créatives.
Exemple d’utilisation :
- Si vous demandez à Midjourney de générer « un lion dans une forêt dense » avec une valeur de chaos faible (
--chaos 10), l’image produite sera probablement proche de votre demande avec des variations mineures dans la pose du lion ou l’agencement de la forêt. - En revanche, avec une valeur de chaos élevée (
--chaos 80), vous pourriez obtenir des résultats très divergents, comme un lion avec des traits fantastiques, une forêt irréaliste, ou une scène entièrement abstraite, avec des couleurs et des formes inattendues.